Managing Discomfort
22 FEB. — 19 APR. 2024

Performancefestival präsentiert von Toaster & Live Art Danmark
Toaster und Live Art Danmark präsentierten das Performancefestival MANAGING DISCOMFORT, das eine Reihe dänischer und internationaler Künstler umfasst, deren Werke alle das gemeinsame Thema haben, ein Unbehagen zu behandeln, das sie mit Fürsorge und Humor bearbeiten.
Insgesamt 16 Künstler präsentierten ihre Werke im Frühjahr 2024 im Husets Teater. Sie arbeiteten daran, das Publikum aus seiner Komfortzone zu drängen und ein Unbehagen in den Zuschauerreihen zu aktivieren. Noch wichtiger war jedoch, dass sie untersuchten, wie wir dieses Unbehagen gemeinsam bewältigen. Im unmittelbaren Jetzt des Theaters.
Heutzutage hat jeder seine eigene private Bühne auf dem Telefon in der Hosentasche, wo alles möglich ist, und man kann schnell von jedem Unbehagen wegwischen. Daher muss die darstellende Kunst nicht länger Glamour, Träume und Realitätsflucht liefern. Wir glauben, dass das Publikum zunehmend den Theaterraum gerade wegen seiner Begrenzungen aufsuchen wird. Es ist der ideale Rahmen für anspruchsvolle Konfrontationen mit anderen unvollständigen Körpern; in einem realen Jetzt und einem realen Raum. All das, was schon immer das Markenzeichen der Performancekunst war.
md-tekster-2024Das Publikum erlebte zwei Performances an einem Abend. Neben dem schwarzen Saal des Theaters und dem roten Salon im ersten Stock wurden VR-Werke dänischer und internationaler Künstlerinnen im Foyer des Theaters installiert. Ein Teil des Programms bestand zudem aus Workshops mit den internationalen Performerinnen, in denen man ihren Methoden und Gedanken näherkommen konnte.
Maria Metsalu: Kultuur
Maria Metsalu ist eine Künstlerin, die ihren Körper nutzt, um zeitgenössische Fragestellungen zu erforschen – oft mit sexuell aufgeladenen Ausdrucksformen. Sie betrachtet Performance als einen radikalen Raum, in dem Abweichung neue Arten des Sehens und Gesehenwerdens schafft. Neben ihrer Soloarbeit ist sie Mitbegründerin der Young Boy Dancing Group.

Lina Hashim: Odalisque
Das Werk Odalisque basiert auf der westlichen Kunstgeschichte, die von binären Einteilungen dominiert wird. Lina Hashim erforscht sowohl ihre eigene Position als weibliche bildende Künstlerin mit muslimischem Hintergrund als auch die westliche, weiße Kunstgeschichte, in der die braune Frau oft als Odaliske dargestellt wird – eine stumme, verführerische Sklavin in einem Harem. Hashim möchte diese Geschichte neu definieren und Raum für eine alternative Erzählung der zementierten Ideologie des erotischen Harems schaffen.

Maria Metsalu: The Well
Maria Metsalus The Well folgt einer isolierten Figur, die von vier Psychoanalytiker*innen in einen Brunnen hinabgelassen wird und auf einer Ledercouch die Aufgabe erhält, eine neue Struktur für die Welt zu schreiben. Die Performance erschafft eine erotische Gedankenlandschaft – einen geheimen, abgeschotteten Ort für abweichende Körper, an dem das Unhörbare gehört und das Unsichtbare gesehen wird.

Teo Ala-Ruona: Lacuna
Teo Ala-Ruonas Lacuna ist eine autofiktionale Body-Horror-Performance, die das Publikum in eine Leere innerhalb des Körpers der/des Performenden einlädt. Durch die Öffnungen und Hohlräume des Körpers sucht Ala-Ruona gleichzeitig nach Fülle und Entleerung – auf der Suche nach einer liebevollen Existenz im eigenen Körper.

Jäger Ooms: Ambient Theatre Fury
Anna Franziska Jäger und Nathan Ooms erforschen die Grenzen des Dialogs durch verschiedene Gesprächsformen – von Therapie bis zu ersten Dates – und untersuchen, wie die Digitalisierung unsere Subjektivität in Krisenzeiten beeinflusst. Unsere Kultur ist durchdrungen von digitalen Erfahrungen – von Netflix-Serien bis zu sozialen Medien –, die eine Pseudoaktivität erzeugen, das Zeitgefühl betäuben und Stille erfordern, um den Lärm zu bewältigen.

Liebmann/Barkan: Don’t Pay Your Debts
In Don’t Pay Your Debts setzen Andreas Liebmann und Boaz Barkan ihre experimentelle Herangehensweise an Performance- und Workshop-Formate fort. Dieses Mal erkunden sie die Poetik der Ökonomie.
Liebmann und Barkan haben über Jahre hinweg Performances geschaffen, die sowohl lokale als auch globale Fragen untersuchen. Ihre Zusammenarbeit begann mit Tårnby Får Besøg, einem Performance-Film mit Tårnby-Bewohnerinnen, die den Hollywood-Film E.T. nachspielten. Später entwickelten sie die Reihe Total International (Local) in Zusammenarbeit mit Teater Får302, die die Rolle der Künstlerinnen als sowohl lokale als auch globale Akteur*innen erforscht.

Sall Lam Toro: Obsidiana, estranha, erótica e ultravioleta
In OBSIDIAN DREAM LOVE LETTERS schuf Sall Lam Toro eine multimediale Installation und Performance, die ein schwarzes, öko-erotisches Bewusstsein durch fantastische Universen erforscht.
In dieser neuen Version wird die Szenerie in ein grünes, ultraviolettes Licht getaucht, das einen Glitch-Effekt erzeugt. Der Raum ist gefüllt mit Skulpturen, Licht und Erde, die temporäre und multidimensionale Flüchtigkeit materialisieren – unterstützt durch sinnliche Rituale mit Obsidian und Rosenquarz.

Martin O’Brien: An Ambulance to the Future (The Second Chance)
„Der Sensenmann stand da, endlich sah ich ihn. Seine skelettierte Gestalt funkelte im Mondlicht, und nichts anderes existierte. Das war der Deal. Er streckte seine Hand aus, umfasste meinen Schädel mit seinen kalten Knochenfingern. Ich war verloren in der Dunkelheit seines Umhangs. Er zog mich näher und küsste mich. Er schmeckte nach Tod, und ich liebte es.“
In An Ambulance to the Future (The Second Chance) bezahlt der Tod einem Mann für Sex – der Preis ist Unsterblichkeit. Das Werk, das Video, Live-Performance und Gleichnisse kombiniert, schildert ein Leben, das sich endlos wiederholt – ein Leben ohne die Notwendigkeit von Wasser oder Sauerstoff. Es ist eine Meditation über Enden und Neuanfänge. Martin O’Brien fragt, was die Sehnsucht nach Unsterblichkeit uns über das Sterben lehrt.
Das Werk wurde im Mai 2023 in der Whitechapel Gallery in London uraufgeführt, wo O’Brien Writer-in-Residence war.

Boys* In Sync: Zapfenstreich – Mother Europe
Im Jahr 2021 trat Angela Merkel nach 16 Jahren als deutsche Bundeskanzlerin zurück und wurde mit der militärischen Zeremonie Zapfenstreich geehrt. Boys* In Sync inszenieren die Live-Übertragung der Parade neu. Die fünf Performer und Tänzer aus verschiedenen europäischen Ländern untersuchen militärische Choreografien, die Männlichkeit, Konformität und nationale Symbolik ausdrücken. Das Werk erforscht, was in diesen Choreografien fehlt, welche Strategien zu ihrer Dekonstruktion genutzt werden können und wie man Risse finden und sie mit Luft, Perücken und Intimität füllen kann.

Aaron Williamson: Let Down Your Hair
Aaron Williamson ist ein gehörloser Performancekünstler, der durch Humor die (fehlenden) Erwartungen des Publikums an Menschen mit Behinderung herausfordert. In seinem Werk Let Down Your Hair kritisierte er die mangelnde Barrierefreiheit des Hauses Husets Teater. Der Titel spielt auf das Märchen Rapunzel an – eine junge Frau ist in einem Turm eingesperrt, und ein Prinz klettert an ihrem langen Haar hinauf. Die Aufführung fand im obersten Stockwerk des Gebäudes statt, das weder Aufzug noch Rampe hat, während das Publikum im Regen auf der Straße stand. Dadurch kehrte Williamson das Machtverhältnis zwischen Performer und Publikum, zwischen „behindert“ und „normal“ um.

Beck Heiberg: Blue Swallowing
Stöhn für mich. Pass auf mich auf. Fick mich. Benutze meine Tränen als Gleitmittel und lass die Schreie der Schwalben die Trauer verschlingen.
Blue Swallowing ist eine Performance, die die Schnittstelle zwischen Trauer und Sinnlichkeit erforscht – ein Zusammenspiel aus Jahreszeitenwechsel, Verlust und intensiver Freude, das zu einem melancholischen Erlebnis verschmilzt. Allein auf der Bühne begegnet Beck der Musik und den Worten, während sie versuchen, die überwältigenden Gefühle mit dem Publikum zu teilen. Blue Swallowing hatte 2022 Premiere in Dansehallerne.

Samira Elagoz: Seek Bromance
Seek Bromance ist eine transromantische Erzählung zwischen Insta-Reality und Sci-Fi-Dystopie, die die Beziehung zwischen zwei transmaskulinen Künstlern, Samira Elagoz und Cade Moga, verfolgt. Sie trafen sich zu Beginn der Pandemie – beide mit einer Geschichte als feminine Performer, jedoch mit unterschiedlichen Sichtweisen auf Männlichkeit. Der Film dokumentiert ihre Beziehung vom Kennenlernen bis zur Trennung sowie Elagoz’ Abschied von seiner weiblichen Identität. In einer kargen, aber wunderschönen Welt erkunden sie die Dynamik von Männlichkeit und Weiblichkeit – begleitet nur von einem Auto, Bargeld und Testosteron.
Elagoz, der zuvor Cis-Männer und Männlichkeit aus einer weiblichen Perspektive untersucht hatte, wechselt in diesem Werk die Perspektive und fängt zugleich seine eigene Transition ein. Seek Bromance (2021) markiert eine Wende in seiner künstlerischen Praxis und Identität.

Iggy Malmborg: SATAN
In SATAN erzählt der schwedische Künstler Iggy Malmborg seine angeblich wahre Geschichte in sechs Kapiteln und einer Prologszene. Die Erzählung folgt seinem turbulenten Weg von einer streng christlichen Kindheit auf dem Land über Freundschaften, Sünden und Obdachlosigkeit bis hin zu seinem Auftritt im Husets Teater in Kopenhagen. Aber ist es wirklich so einfach…?
Das Werk untersucht die Rolle der Illusion im Theater und feiert die mündliche Erzähltradition, in der ein Performer allein mit Körper und Stimme das Publikum an ferne Orte und in vergangene Zeiten transportieren kann – und dabei Wiedererkennung, Ehrfurcht oder Angst hervorruft. Wir begegnen einem Helden, der eigentlich ein Schurke sein will, aber daran scheitert. SATAN stellt Fragen zu Ethik, Wahrheit und dem Geschichtenerzählen auf der Bühne – ist Theater nicht immer nur ein abgemachtes Spiel?

Jessie Klemann: The Iceflake
Das Performancewerk ist inspiriert von Kindheitsspielen, bei denen man von Eisscholle zu Eisscholle sprang, wenn das Eis im Frühling brach. Heute ist immer Schmelzzeit – das Eis schmilzt, die Welt schmilzt, und wir springen, laufen und fliehen von Ort zu Ort. Die Eisscholle ist „nur eine Scholle“, aber sie stammt von beiden Polen. Stell dir den Wal und seinen Bauch vor – und uns, die versuchen, sein Maul geschlossen zu halten.

Molly Haslund: Virtuel Vals
Virtuel Vals ist eine musikalische VR-Performance, die die intensive Stimmung und nervöse Energie erforscht, die unmittelbar vor einem Bühnenauftritt entsteht – sowie die Rituale, die Menschen nutzen, um damit umzugehen, etwa das Schreiben von Postkarten, Meditation oder das Essen eines Käses.

Seimi Nørregaard: Do Let Us Know (Giv Lyd Fra Dig)
Ein minimalistisches VR-Werk, das dich einlädt, den Mund zu öffnen und deine Stimme ertönen zu lassen – hinaus in die Welt zu brüllen.
Seimi Nørregaard (*1975) ist eine dänische Bühnen- und Bildkünstlerin, deren Praxis sich mit Räumen und Räumlichkeit beschäftigt – durch Inszenierung von Körpern, Text, Licht und Klang. Zu ihren jüngsten Werken gehören SKJUL Revisit (Overgaden, 2016), Bjerget (Urum, Brønshøj Vandtårn, 2019), Underverdenens Parykparade (Sorø Kunstmuseum, 2022), Poetisk Konsultion (Eks-rummet, 2023) und Længsel (Jordenshus, 2024).

Kira O’Reilly: what if this was the only world she knew III
what if this was the only world she knew ist eine Performance-Serie, die 2018 begann. Teil III nutzt Virtual Reality, in der kleine, seltsame Handlungen sich wiederholen, loopen und gelegentlich umkehren. Mit Eiern und einem glitzernden grünen Paillettenkleid – wiederkehrende Motive in O’Reillys Werken – entsteht eine surreale Dimension innerhalb der scheinbar stabilen Welt des Zuschauers.
ÜBER KIRA O’REILLY (UK)
Kira O’Reilly (*1967) ist eine irische Künstlerin mit Sitz in Helsinki. Ihre Praxis kombiniert Performance, Skulptur, Biotechnologie, Text und experimentelle Medien. Ihr Werk wurzelt in der Materialität und Wandelbarkeit der Skulptur und trifft auf radikalfeministische Performancekunst der 1990er Jahre – an der Schnittstelle zwischen bildender Kunst, Performance, Medienkunst und Körperpolitik. Sie kreiert, schreibt, unterrichtet und arbeitet mit Menschen, Technologien und nicht-menschlichen Wesen zusammen.
